VORLÄUFER DER RENAISSANCE
Die Grenze zwischen Gotik und Renaissance, so offensichtlich in der Malerei und Skulptur anderer Länder, in Italien ist es verschwommen. In der Mitte des dreizehnten Jahrhunderts. es gab bereits ein phänomen, das als eine der grundlagen der renaissance gilt - die wiederentdeckung des vollen formgefühls, die Schönheit und Modellierung, die für die klassische Kunst charakteristisch sind – sichtbar in den Statuen, die die Porta Romana in Capua schmücken. Fragmente davon werden im Stadtmuseum aufbewahrt. Kaiser Friedrich II. bestellte sie. der den Heiligenschein wiederherstellen wollte, die einst das Römische Reich umgaben. Die Italiener wurden immer überzeugter, dass es die Barbaren des Nordens waren, die die Kunst zerstört hatten, und es ist ihre Pflicht, es wiederzubeleben.
Nikola Pisano (OK. 1220-84). ein Bildhauer aus Süditalien und zweifellos vertraut mit Werken aus Capua. Er entwickelte diesen Stil in den vier größten erhaltenen Werken – den Kanzeln des Baptisteriums von Pisa und der Kathedrale von Siena, in Arca San Domenico in Bologna und in Fonte Gaia in Perugia. Seine Figuren haben ein volles Gefühl von Räumlichkeit, mit der Verwendung verschiedener Relieftiefen, um die Illusion von Dreidimensionalität zu erzielen. Arnolfo di Cambio (OK. 1245-1310). der Pisan bei einigen Arbeiten assistierte, er entwickelte diese Mischung aus klassischen und gotischen Merkmalen in seinen eigenen Werken, darunter die berühmte Statue von St.. Peter in Rom und der Grabstein von Kardinal de Braye in San Domenico in Onrieto. Letztere Arbeit bestimmte das Format der Wandgrabsteine für das gesamte folgende Jahrhundert, mit einer Statue des Verstorbenen, die auf dem Sarg unter der Madonna mit Kind liegt. Das Ganze ist in einen weitläufigen architektonischen Rahmen eingebunden.
Eine noch größere Rolle spielten die Werke von Giovanni Pisano (OK. 1248-1314), der mit den heidnischen Vorlieben seines Vaters brach. Stattdessen setzen sie ihre Figuren in dramatische Posen, nie zuvor in der Geschichte der Skulptur gesehen. Am auffälligsten ist dies bei den Statuen, die für die Fassade der Kathedrale von Siena geschaffen wurden, die hoch oben aufgestellt waren, und nicht um Portale herum, und radikal anders als ihre Gegenstücke in französischen Kathedralen.
In der Malerei hingegen haben sich Künstler erst in den letzten drei Jahrzehnten des 13. Jahrhunderts von traditionellen byzantinischen Formeln befreit.. Dieser Hauch von Freiheit begann im Theaterstück The Floor of Cavallini in Rome, und von den Florentinern Cimabue entwickelt (OK. 1240-1302), der ovale Formen in sein Fresko Madonna of St.. Franziskus in der Unterkirche in Assisi. Sein Meisterwerk, der Passionszyklus in der Oberkirche, leider wurde es zerstört, obwohl selbst bescheidene Reste eine ausreichende Vorstellung von der großen Tragik des Werkes geben.
Während Cimabues Arbeit noch in der byzantinischen Tradition verwurzelt war und keine Versuche zeigte, den Effekt der flachen Oberfläche zu brechen, sein Lehrling machte einen großen Schritt vorwärts, und so ist er, ursprünglich aus Florenz, Giotto di Bondone (1266-1337), deren Erfindungen die Richtung bestimmen sollten, in die alle spätere europäische Kunst ging. Giotto lehnte das der Malerei auferlegte Erfordernis der Zweidimensionalität entschieden ab und schaffte es, seinen Gemälden eine Illusion von Tiefe zu verleihen. Dank der Verwendung von besseren Materialien als denen von Cimabue. Das Leben des hl.. Franziskus in der Oberkirche von Assisi, ebenso wie die Dekoration der Padua Scrovegni-Kapelle vom selben Künstler. Diese beiden großen Zyklen zeigen am besten Giottos Genie in all seinen vielen Aspekten, zu denen auch sein Bewusstsein gehört. was im Bild wichtig ist und was nicht in die Details einfließen soll, ein überzeugender Blick auf Aktion und Bewegung, Gestik und Gefühl sowie die vollständige Beherrschung von Maltechniken wie Charaktermodellierung, Perspektivverkürzung und Hell-Dunkel-Effekte.